Fresques murales du cloitre de l'Abbaye d'Abondance

Vers 1430, des peintres piémontais proches de Giacomo Jaquerio réalisent un ensemble d'une vingtaine de fresques dans le cloître de l'Abbaye d'Abondance. Cette période correspond au règne d'Amédée VIII de Savoie, une période de croissance géographique et démographique des États de Savoie. Il y a indéniablement un lien entre le pouvoir et ses fresques: l'écusson de la Maison de Savoie est peint en-dessous de chaque fresque, et il n'est pas impossible que Amédée VIII a été représenté dans les Noces de Cana. On n'en sait toutefois pas plus.

Sur la vingtaine de fresques d'origine - leur nombre initial exacte est inconnu - 6 sont encore parfaitement identifiables: l'Annonciation, la Visitation, la Nativité, la Fuite en Égypte, Jésus au temple, et les Noces de Cana. Ses scènes ont la particularité d'être représentées dans des paysages et des décors de l'époques. Elles offrent donc un petit aperçu de la vie quotidienne de la région au XVème siècle. 
En outre, on entrevoie déjà les prémices de la Renaissance Italienne dans l'utilisation (encore maladroite) de la perspective et du dynamisme des personnages. 

Ces fresques représentent un ensemble apparemment unique en France de peintures piémontaises du XVème siècle. De plus, elles offrent un témoigne remarquable de la vie quotidienne de l'époque dans la région, elles marquent un lien avec la Maison de Savoie et elles annoncent déjà l'arrivée progressive de la Renaissance:


( Source )

La fuite en Egypte, montrant un paysage lacustre (peut-être le Lac Léman):


( Source )

Jésus au temple, montrant un début de perspective et un dynamisme très expressif des personnages:


( Source ) 

Les fresques se trouvent dans le cloître de l'Abbaye d'Abondance:


( 46°16'51.73" N 6°43'14.07" E )

Pierre tombale de Javarzay

Cette pierre tombale du XIIème siècle provenant de Javarzay présente sur ses deux bâtières un riche programme sculpté: des scènes de chasse à courre, des feuillages et un personnage debout devant un jeu de tric-trac.  

Cette représentation d'une scène de jeu sur une tombe de cette époque est rarissime (peut-être même unique en France). Une hypothèse plausible serait qu'il s'agisse d'un passe-temps apprécié du défunt, tout comme la chasse à courre. La tombe est en outre d'une grande qualité et dans un assez bon état de conservation:


( Source )

La bâtière représentant un tric-trac à droite (et une scène de chasse à courre à gauche): 


( Source )

La pierre tombale se trouve au Musée du Donjon de Niort:


( 46°19'31.11" N 0°27'53.62" W )

Joseph, le nègre

Impossible de parler de cette peinture sans parler de l'homme représenté dessus: Joseph nait en 1793 à Saint-Domingue. Il quitte l'île au moment de l'indépendance haïtienne et arrive à Marseille à 1804. Il gagne Paris et vie de petits boulot jusqu'à être engagé en 1808 comme acrobate dans la troupe de Madame Saqui.
En 1818, sa musculature imposante tape dans l'oeil du peintre Théodore Géricault qui l'engage comme modèle. Grace à la célébrité du peintre, il servira de modèle à de nombreux autres artistes. 
À partir de 1832, il devient l'un des trois seuls modèle masculins de l'École des Beaux-Arts de Paris et vie de son métier. Il continue à poser jusqu'à sa mort (après 1865).

Ainsi, Joseph, vous le connaissez déjà: c'est lui qui pose pour les trois personnages noirs du Radeau de La Méduse de Géricault (1818-1819) ou pour l'Étude de nègre (1836) de Théodore Chassériau pour le compte de Ingres. Mais de lui en tant que sujet, il semble n'existé que deux oeuvres: Étude d'homme de Géricault (1818-1819) conservée aux États-Unis et Joseph, le nègre de Adolphe Brune présenté au Salon de 1865. Ce dernier représente Joseph, assis, souriant mais entourés d'éléments qui l'exotisent. 

Ce portrait est donc le dernier de la personne noir la plus importante du monde l'art du XIXème siècle en France, sans aucun doute celui qui retranscrit le mieux la personnalité de Joseph au travers de son sourire (ses contemporains parlent unanimement d'une personne affable et douée de grandes qualités humaines et professionnelles). Par les éléments qui l'accompagnent sur le tableau et son titre, elle trahit toutefois le racisme de son époque:


( Source )

La peinture est exposée au Musée Henri-Martin de Cahors:


( 44°26'52.49" N 1°26'16.50" E )

N.B.: J'ai conservé le titre original de 1865 car, bien qu'il soit aujourd'hui inacceptable, il ne faut pas passer sous silence le racisme de l'époque. Je vous renvoie vers le dernier paragraphe de la description de l'oeuvre sur le site du musée qui justifie cette position.

Fragment de tente romaine 

En 1997, les fouilles du fossé de la chicane de la porte du camp (romain) A - si j'ai bien compris, il se trouvait au Sud de la colline d'Alésia - vont mettre au jour un fragment de cuir de chèvre de 50cm de long et 22cm de large. Ce fragment, très bien conservé par la présence d'eau, a pu être identifié par l'archéologue Carol van Driel-Murray comme étant le renfort d'angle d'une tente romaine pour 8 personnes.

Vu la nature de l'objet et le lieu de sa découverte, il ne fait aucun doute qu'il s'agisse d'un témoignage direct du siège d'Alésia (en 52 avant J-C). Même si on ne peut pas avancer mieux que la datation du 1er siècle avant J-C, cela en fait le plus vieux fragment de tente romaine connu en Europe, et le seul connu en France:


( Source )


( Source )

Le fragment se trouve au Musée Alésia - Centre d'interprétation à Alise-Sainte-Reine (la colline d'Alésia est celle de gauche et celle où a été retrouvé le fragment - si j'ai bien compris - est celle derrière le musée):


( 47°32'10.71"N 4°28'06.20" E )

Cloître de Notre-Dame-en-Vaux

Vers 1170-1180, le cloître de la collégiale Notre-Dame-en-Vaux à Châlons-en-Champagne est en construction. Par contre, à partir de là, les sources sont totalement muettes pour remettre cette construction dans son contexte: l'édifice était il déjà un lieu de pèlerinage - Ce qui lui a valu un classement au Patrimoine Mondial de l'UNESCO parmi les routes de Saint-Jacques-de-Compostelle en 1998 - ? Toujours est-il que le chapitre disposait visiblement de moyens importants vu le programme sculpté (nous y reviendrons plus bas).
Malheureusement, entre 1759 et 1766, le chapitre va préférer faire détruire le cloître plutôt que de payer les travaux de rénovation. Les vestiges sont enfuis directement sur place et son emplacement reste vide (à l'exception de la construction d'un maison canoniale - la maison d'un chanoine du chapitre - du côté Est de l'ancien cloître). 

De 1963 à 1976, des fouilles entreprises par Léon Pressouyre vont permettre de retrouver environ 3/4 des éléments d'origine. L'année 1976 marque aussi l'ouverture du Musée du cloître de Notre-Dame-en-Vaux qui expose les découvertes.

Au total, le musée expose 55 statue-colonnes et des chapiteaux richement ornés. Bien que ce genre de statue soit commune au XIIèe siècle en France, une telle profusion dans un seul monument ne semble pas avoir d'équivalent en France. De plus cet ensemble a été réalisé à un moment de transition entre l'Art Roman et l'Art Gothique. Il forme donc un jalon de l'histoire de la sculpture française.


( Source )


( Source )

Exemple de deux statue-colonnes. Certains détails sont encore romans comme les motifs répétitifs sur le bras du personnage de gauche ou le motif simplifié du bas de la robe du personnage de droite; dans le même temps, certains détails sont déjà gothique comme le réalisme et la finesse du reste des tenues ou la posture dynamique du personnage de droite:


( Source )

Les vestiges du cloître sont exposés dans le Musée du Cloître de Notre-Dame-en-Vaux à Châlons-en-Champagne:


( 48°57'28.14" N 4°21'48.63" E )

Jardin cubiste de la Villa Noaille

Avouons-le d'entrée de jeu: aucune source n'explique la genèse de cette oeuvre, ni les choix initiaux, ni son évolution (et les quelques traces historiques présentés sont souvent mal datées et à la véracité incertaine).
Ce qui est sûr, c'est que l'aménagement de ce jardin s'est fait à la demande des propriétaires, Charles et Marie-Laure de Noailles, la fin de la construction de la villa Noaille en 1925 (année de la fin de la construction de la première partie de la villa) ou 1926 selon les sources. Le projet prend place dans une cour triangulaire en contre-bas du projet (qui semble avoir été vraisemblablement prévue vide et fermée selon les plans de l'architecte Robert Mallet-Stevens).

L'aménagement du jardin est l'oeuvre de Gabriel Guevrekian - la raison de ce choix est à chercher du côté du fait que Guevrekian est alors un collaborateur de Robert Mallet-Stevens et vient de réaliser un jardin pour l'Exposition internationale des arts décoratifs de Paris de 1925 - qui réalise une composition géométrique et en pente qui convergeait initialement vers une statue de Jacques Lipchitz "La joie de vivre" posée sur la pointe. Certaines sources mentionnent que les parterres étaient initialement plantés de tulipes et d'orangers, avant que les plantations soient rapidement modifiées. Le jardin fini par disparaitre et n'est restauré qu'en 1986. 

En dépit de l'absence quasi-totale d'informations sur sa genèse et des modifications qu'il a subi, ce jardin reste la seule tentative avouée de réaliser un "jardin cubiste". Il reste aussi un des très rares jardins de la période de l'Entre-deux-guerres conservé (avec le Jardin Wilson de Montluçon par exemple), une période où l'accent est peu mis sur l'Art des jardins, mais dont il est un témoignage rare et éloquent du goût pour les formes géométriques et les couleurs vives (aussi bien pérennes comme sur les mosaïques que temporaires avec les tulipes par exemple):


( Source )

Le jardin se trouve au Sud-Est de la Villa Noaille à Hyères:


( 43°07'25.92" N 6°07'38.82" E )

Copie du retable de Montbéliard

Vers 1540, le comte Georges Ier de Wurtemberg-Montbéliard commande à Heinrich Füllmaurer un retable pour la chapelle du Château de Montbéliard. À sa mort, son fils, Frédéric Ier de Wurtemberg, emmène l'oeuvre à Stuttgart. Mais en 1634, suite à la bataille de Nördlingen (dans le cadre de la Guerre de Trente Ans), les troupes impériales des Habsbourgs pillent la région et emportent le retable à Graz puis à Vienne où il rejoint la Kunstkammer du duc Johann Friedrich de Württemberg. En 1781, il entre à la Musée d'Histoire de l'art de Vienne où il est toujours conservé aujourd'hui.

L'histoire aurait pu s'arrêter là... mais la Société d'émulation de Montbéliard est parvenue à obtenir les droits de l'oeuvre au près du musée viennois. Une copie a donc pu être réalisée par des artistes francs-comtois et alsaciens. 
La copie en bois d'épicéa peint reprend la composition d'origine faite de 3 paires de volets - chacun recouvert de 12 scènes de 41x28cm sur chaque face - recouvrant une scène centrale plus grande, la crucifixion. Au total, il rassemble 157 scènes. La copie a officiellement été présentée au 17 juin 2016.

Bien qu'il s'agisse d'une copie, sa retranscription minutieuse démontre toute la qualité de ce chef d'oeuvre de la Renaissance allemande. On comprend aisément la décision de la Société d'émulation de Montbéliard d'en demander les droits pour une copie, et plus extraordinaire encore, les avoir obtenu! Je n'ai en effet pas trouvé de cas semblable.

L'installation du retable le 17 juin 2016:


( Source )


( Source )

La copie du retable se trouve dans le Temple Saint-Martin de Montbéliard:


( 47°30'36.51" N 6°47'49.46" E )

Mosaïque de Penthée

En 2007, lors de fouilles préalables à la construction d'un parking sous le boulevard Jean Jaurès, deux mosaïques romaines d'une même habitation sont découvertes. Cette découverte n'a rien de surprenant: l'ensemble des 6500m² de la zone de fouille révèlent des vertiges romains. Mais ce qui était moins attendu, c'est l'état de conservation et l'iconographie de la plus petite des deux.

Cette mosaïque de 35m², qui pavait une salle de réception, rassemble 29 représentations sur fond blanc délimités par des bordures torsadées:
-Au centre, le roi Penthée assassiné par sa propre mère Agavé. Selon le mythe de Penthée, le dieu Bacchus revint à Thèbes pour se venger des soeurs de sa mère, dont Agavé et son fils le roi Penthée (qui est donc le cousin de Bacchus) pour ne pas avoir reconnu pas son statut divin et refuser de le vénérer. Bacchus frappe alors de folie toutes les femmes de Thèbes qui se retirent dans les montagnes comme baccantes (des adoratrices du dieu Bacchus). Penthée, parti les espionner, se fait surprendre par les baccantes qui, toujours sous le coup de la folie, le voit comme un lion et tentent de le tuer. C'est Agavé qui porte le coup fatal et tue son propre fils;
-Entre le centre les coins, 4 baccantes;
-Entre ces 4 baccantes, 4 bustes représentant les saisons;
-En dessous des buste, 4 masques de théâtre;
-Disposés en grilles entre les autres éléments précisés; 16 médaillons représentant des oiseaux au sol.
Le "bas" de la mosaïque est bordé par une représentation d'un cratère (vase) à l'envers (à l'endroit depuis le centre de la pièce) entouré de rinceaux. La présence de ce récipient destiné à contenir du vin renforce un peu plus la signification dionysiaque de la mosaïque à laquelle tous les éléments - sauf les oiseaux - renvoient (pour plus de détails, je vous renvoie vers cette vidéo).
Le reste du pourtour est occupé par un faux carrelage noir et blanc, complété dans le fond de la pièce par un motif à damier (probablement l'endroit où se trouvait les lits sur lesquels les les invités s'allongeaient lors des banquets).

Cette représentation de la mort de Penthée est la seule réalisée en mosaïque connue au monde. En plus de cette iconographie unique, elle est d'une grande qualité d'exécution et nous être parvenu dans un état de conservation exception, presque sans lacunes: 


( Source )


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La mosaïque est aujourd'hui exposée au Musée de la Romanité de Nîmes:


( 43°50'01.91" N 4°21'35.14" E )

Ensemble bâti par le céramiste Jean Linard

En 1961, Jean Linard achète une ancienne carrière de silex à Neuvy-Deux-Clochers. Avec son épouse, Anne Kjærsgaard, il va y construire une imposante maison et des ateliers en utilisant presque exclusivement des matériaux de récupération. Tout deux céramistes, ils vont inclurent des oeuvres à la construction comme les tuiles colorées dans la toiture. 
Les oeuvres de Jean Linard vont progressivement envahir le jardin. Entre autre, il se lance dans la construction d'une chapelle, qui devient ensuite une église, et finalement appelée "La cathédrale".

Après la mort de Jean Linard en 2010, le site est vendu par la famille et traverse une longue période d'incertitude, de 2011 à 2022, qui s'achève par son rachat et son ouverture au public. Entre temps, l'ensemble a été inscrit Monument Historique en 2012 pour assurer son avenir.

Très personnelle, d'une grande richesse et n'ayant cessé d'évoluer de 1961 à 2010, cette oeuvre d'Art Brut est unique. Par son classement, elle s'inscrit dans le sillage d'autres grandes réalisations comme le Palais Idéal du Facteur Cheval ou la Maison Picassiette. 


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La Cathédrale: 


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L'oeuvre se trouve à Neuvy-Deux-Clochers:


( 47°17'20.65" N 2°37'45.34" E )

 okapi , bravo et merci pour toutes ces nouvelles connaissances (pour moi).

Idem pour moi

Merci 


Ensemble de 29 tambours de l'empire britannique en lien avec Mons et la Grand Guerre

La ville belge de Mons est à tout jamais liée à la première guerre mondiale pour l'empire britannique: c'est ici qu'il commence à prendre part de façon effective au conflit le 23 août 1914 et qu'il libère la ville la nuit du 10 au 11 novembre 1918. C'est d'ailleurs aussi ici que sont morts le premier - l'anglais John Parr, le 21 août 1914 - et le dernier - le canadien Georges Price - soldat de l'empire britannique durant la première guerre mondiale, tout deux enterrés au cimetière de Saint-Symphorien (dont j'avais déjà parlé ICI).

Symbole de cet attachement historique, divers régiments ont offerts de nombreux éléments comme des drapeaux, des costumes,... mais surtout leur tambours, des dons rarissimes. L'ensemble se compose aujourd'hui de 29 tambours: 25 dons et 4 retrouvés sur le champ de bataille; 26 sont britanniques et 3 canadiens; 24 side drums, 4 tenor drums et 1 bass drum.
Leur histoire récente fut chargée: ils ont fait l'objet d'une restauration en 2015; un 30ème tambours a été offert en 2018, quelques mois avant que les 29 premiers soit classés Trésor de la Communauté Française; et les 29 Trésors ont été numérisés cette année.

Cet ensemble de 29 tambours est unique au monde, les régiments militaires se séparent très rarement de cet objet. L'arrivée d'un 30ème tambour en 2018 prouve la persistance du lien très fort entre la ville et l'empire britannique. D'autres dons, ainsi qu'un élargissement du classement à ces nouveaux tambours, ne sont donc pas à exclure...


( Source )



Les 29 tambours se trouvent au Mons Mémorial Museum:


( 50°27'00.43" N 3°57'25.21" E )

Pas trop loin de chez moi et je ne le connaissait pas

Mosaïque au dieu de l'Océan du domaine de Saint-Girons

Le 12 avril 1979, les travaux d'un entrepreneur mettent au jour une mosaïque au lieu dit "Saint-Girons", au Sud de Maubourguet. Le site est rapidement fouillé par Sylvain Doussau - qui avait eu l'intuition d'un site gallo-romain à cet endroit dès 1971. Et la surprise va être à la hauteur: il va mettre au jour une mosaïque complexe, couvrant le fond du frigidarium (bassin d'eau froide) des thermes d'une villa gallo-romaine, dont la partie centrale représente Ôkéanos, dieu de l'océan et père de toutes les eaux. Le reste de la surface est parcourue de motifs entrelacés qui divise la mosaïque en rectangles et triangles contenant des représentations faisant référence à l'eau ou de motifs géométriques.
En mai 1979, la fouilles de sépultures et de fragments de sarcophage dans l'environnement de la mosaïque permettent de confirmer l'hypothèse d'un culte chrétien durant l'antiquité tardive qui explique probablement la toponymie "Saint-Girons" (du nom d'un saint local). Elle est finalement réenfouie en juin 1979 pour la protéger ce qui n'empêche pas son inscription au Monument Historique le 7 juillet 1980.

La mosaïque reste à l'abri des regards pendant deux décennies jusqu'à ce que le maire lance l'idée en 2001 de la déposer dans un espace muséal pour la mettre en valeur. Elle est déterrée en 2003 pour vérifier la faisabilité du projet puis recouverte jusqu'en 2005 où elle finalement déposée. L'année suivante, les murs qui l'entourent sont démontés à leur tour. 
Le projet prend forme à partir de 2009 où les murs sont reconstruits, suivi de la mosaïque en 2010. L'espace muséal est inauguré au sein de l'office du tourisme de Maubourguet le 17 juin 2011, permettant enfin de découvrir l'oeuvre de façon permanente.

Seul la page web du classement donne une information pour comprendre l'importance de la mosaïque: "Cette mosaïque est, de par son décor, d'une grande rareté parmi les productions de l'école d'Aquitaine." En effet, elle s'inscrit clairement dans la production d'Aquitaine par la diversité de ses motifs géométriques blancs, ocres et noirs ainsi que le soin apporté à la qualité des volumes (surtout visible sur les cordes entrelacés). Elle se démarque toutefois par la représentation d'éléments figuratifs (dieu de l'Océan, poissons, canard et vaisselle) qui, bien que facture naïve, sont rares dans l'école d'Aquitaine à l'époque romaine.


( Source )

Détail de la partie centrale. On devine aussi les poissons dans les coins supérieurs:


( Source )

La mosaïque se trouve dans l'espace muséographique de l'Office du Tourisme de Maubourguet:


( 43°28'01.02" N 0°02'04.85" E )