Attaquons nous à l'un des plus grand trésor de l'art belge...

Le Trésor d'Oignies

En 1192, les trois frères Gilles, Robert et Jean de Walcourt fondent le prieuré d'Oignies. Leur quatrième frère décide de devenir orfèvre: il se fera appeler Hugo d'Oignies. Grace aux dons de Jaques de Vitry, le prieuré commence à composer son trésor et reçoit parfois des objets aux origines très lointaines (vases fatimides égyptiens, croix byzantine, mitres d'Angleterre,...). L'atelier du jeune orfèvre fut chargé de réaliser des reliquaires pour contenir les reliques offertes par Jacques de Vitry, principalement entre 1228 et 1238.

En 1818, Dom Pierlot, le dernier prieur du Prieuré d'Oignies, confie le trésor aux sœurs de Notre-Dame de Namur avec l'idée de la récupérer si le prieuré est recréé une fois les tumultes de la Révolution passés. Le prieuré disparaitra définitivement avec son décès et les sœurs deviennent les récipiendaires de ce fabuleux trésor qu'elles conservent et protègent dans leur couvent. En 2010, elles se résignent à le confier au Fond Roi Beaudoin qui le dépose à la Société archéologique de Namur pour pouvoir l'exposer (de manière plus accessible qu'au couvent) au Musée TreM.a. Le trésor y rejoint d'autres pièces attribuées à atelier d'Oignies que la société archéologique avait racheté ou récupéré aux cours du temps, ce qui porte le nombre de pièces à 42. Mais restons concentré sur les 32 pièces de départ...

Le 26 janvier 2010, les 32 pièces du trésors ont été classés ensemble comme Trésor de la Communauté Française lors de la toute première vague de classement. 

Le trésor d'Oignies est exceptionnel à plus d'un titre: il n'a (apparemment) presque pas été dispersé et nous est donc arrivé presque entier; c'est le plus grand ensemble d'œuvres romanes directement liées à un seul orfèvre (dont le nom nous est parvenu aussi); même séparément, les objets réalisés par Hugo d'Oignies et son atelier sont d'une qualité exceptionnelle.

Le Trésor ayant été confié au Fond Roi Baudouin, je vous renvois vers cette publication très intéressante >>>ICI<<< et le site internet >>>ICI<<<
Les objets ont aussi été numérisés sur numériques.be >>>=collection_detail&tx_portailnumeriques_pi1[id]=peps%3AMAR-MAAN-TO]ICI<<< (cliquez sur " >>ressources")
Les objets sont enfin bien évidement disponibles sur le site de l'IRPA >>>]ICI<<<


( Source )

Difficile d'être représentatif de la diversité des œuvres étant donné que les 32 biens sont d'une vingtaine types différents (crosse, mitres, reliquaires monstrances, bagues, phylactère, autel portatif, reliquaires en forme de pied,...):

Plats de reliure de l'Évangéliaire (représentant Hugo d'Oignies sur l'émail en bas à gauche du plat de gauche) (vers 1230):


( Source )

Le reliquaire du lait de la vierge, atelier d'Oignies (vers 1250):


( Source )

La croix dite "byzantine" (croix byzantine du 12ème siècle modifiée par l'atelier d'Oignie vers 1250); le Phylactère de Sainte-Marguerite, atelier d'Oignies (vers 1235-1240); le Phylactère de Saint-Hubert, atelier d'Hugo d'Oignies (vers 1230-1235) et le (grand) phylactère de Saint-Martin, Hugo d'Oignies et atelier (vers 1230): 


( Source )

Le trésor d'Oignies est exposé dans la première salle du Musée TreM.a - Musée des Arts anciens du Namurois à Namur:


( 50°27'55.83" N 4°51'54.99" E )

Le monument aux morts de Lodève

Dés la fin de la guerre, en 1919, le sculpteur Paul Dardé s'attèle à la réalisation du monument aux mort de Lodève. Le projet n'aboutit que le 8 juin 1930 avec l'inauguration du monument mais l'artiste est absent.

Né en 1888, le sculpteur n'a que 26 ans lorsque la guerre débute. Il s'engage comme brancardier mais restera traumatisé à vie par cette expérience. Cela se ressent dans les sept monuments aux morts qu'il réalise entre 1919 et 1926: les soldats représentés entiers le sont toujours gisants, même quand c'est à la verticale comme à Limoux.

Le monument de Lodève s'inscrit dans cette volonté de ne pas représenter des soldats victorieux mais plutôt l'horreur de la guerre et la mort. Ce monument pacifiste est sa réalisation la plus complexe et aboutie. 
On y voit un soldat gisant entouré d'une femme éplorée à ses côtés, de deux enfants à ses pieds et gardé par quatre femmes représentant les saisons (faisons front ensemble pour symboliser la nécessité de se souvenir malgré le temps qui passe).
Le monument est en pierre de Lens, choisie pour sa blancheur qui met en valeur le corps du soldat. Le reste de la surface du monument a été travaillé à l'acide pour lui donner sa couleur orangée.

Le monument est classé comme Monument Historique depuis le 29 mars 2005 et à fait l'objet d'une restauration en 2014 qui a permit de faire réapparaître ses couleurs d'origine.


( Source )

Le détails des quatre femmes représentant les saisons (et non les classes sociales comme le dissent certaines sources), habillées à la mode des années 20. Le travail de la pierre à l'acide produit la couleur orangée qui renforcent certains détails mais font surtout ressortir la blancheur du soldat au centre:


( Source )

Le monument aux morts de Lodève se trouve dans le parc situé Allée de la Résistance, à l'arrière de l'ensemble épiscopale de Lodève. L'ensemble des aménagements qui entourent le monument ont aussi été réalisé par Paul Dardé:


( 43°43'58.10" N 3°19'01.34" E )

Okapi,  

Merci pour ICI

La Galerie des Illustres 

En 1617 (ou 1619), Paul Ardier, trésorier d'état et propriétaire du château de Beauregard, décide de réaliser son rêve: raconter 315 ans (entre 1328 et 1643) d'histoire de France et d'Europe au travers de portraits de personnes illustres. Le projet, inachevé à sa mort, sera continué par son fils et achevé par son petit-fils au bout d'une soixantaine d'années. Il comporte au totale 327 portrais d'hommes et des femmes qui ont influencées l'histoire de France, articulés en trois registres sur les mur de 26 mètres de long et 6 mètres de large de la galerie. Chaque portrait fait environ 55x45cm, à l'exception des deux portraits équestres sur les cheminées (et un dans un coin) qui sont plus grands.
Le reste du décor de la pièce se complète de lambris peints dans la moitié basse des murs (sous les portrais); un plafond "à la française" d'origine (il n'a jamais fait l'objet d'une restauration); et un carrelage composé de 5500 carreaux de Delft.

Né d'une mode (sur fond d'humanisme) qui se diffuse en France dés le 16ème siècle, la Galerie des Illustres du château de Beauregard se fait remarqué dés sa création pour sa taille, son thème (les personnages politiques) et sa qualité. Il est surtout aujourd'hui la plus grande galerie de portraits conservée dans son intégralité, de plus dans sa pièce d'origine, en France (devant celle du château de Bussy-Rabutin et ses 65 portraits d'homme de guerre).

Le château est classé comme Monument Historique en 1840, mais je n'ai pas trouvé de trace évidente d'une protection du décor de la galerie:


( Source )

Détails de quelques-uns des 327 portrais, représentant 306 hommes et 21 femmes de 26 nationalités différentes:


( Source )

La Galerie des Illustres se trouve dans le Château de Beauregard:


( 47°32'13.07" N 1°23'02.67" E )

Après avoir parlé d'un des plus grand chef d'œuvre de l'art du Moyen Âge de Belgique, faisons pareil en Suisse…

Le Plan de Saint-Gall

En haut à gauche du plan, dans la marge au dessus du cimetière, un texte nous apprend que le plan fut dessiné pour Golzert qui fut l'abbé de Saint-Gall entre 815 et 837 (je n'ai par contre par trouvé où était indiqué qu'il a été fait par Heiton, abbé du couvent de Reichenau de 806 à 823). Le texte se termine par la phrase "...j'ai dessiné ceci par amour de Dieu et pour ton regard seul". Pas de chance pour lui: ce parchemin de 113 cm sur 78 est le seul plan d'architecture connu entre l'Antiquité et le 13ème siècle, il a donc été étudié sous toute les coutures et en détail à travers le monde entier!

Le plan représente le dessin d'une abbaye idéale et comprenant toutes les activités nécessaires à son fonctionnement (vie liturgique, accueil des hôtes, enseignement aux novices, fermes et potagers, cimetière,...) autour de son abbatiale et de son cloitre, le tout parfois agrémenté du dessin de l'aménagement intérieur ou de descriptions comme les plantes cultivés dans le potager.
Même si ce travail est purement théorique, il donne de précieuses informations sur la vie monastique à cette époque et est le seul dessin d'architecture connu de l'Art Mérovingien.

L'Abbaye de Saint-Gall a été classé par l'UNESCO en 1983 et le "Patrimoine documentaire de l'Ancienne Abbaye de Saint-Gall dans les Archives de l'Abbaye et dans la Bibliothèque de l'Abbaye de Saint-Gall" a été classé comme Mémoire de monde (toujours par l'UNESCO) en 2017. Ce second classement protège la bibliothèque de l'abbaye et donc le plan qui y est conservé (référence: Ms. 1092). Je n'ai pas trouvé d'autre preuve d'une protection spécifique à cet objet.

Le plan (recto et verso) est à retrouver en HD >>>ICI<<< (le plan traduit est a retrouvé >>>ICI<<<):


( Source )

Le plan de Saint-Gall est exposé dans la bibliothèque de l'Abbaye de Saint-Gall:




( 47°25'21.78" N 9°22'35.18" E )

Exchange de Richard Serra

Depuis 1996, grâce à un prêt permanent dans le cadre d'un programme d'art dans l'espace public, l'œuvre "Exchange" de Richard Serra se dresse à l'extrémité Nord du quartier du Kirchberg à Luxembourg. Bien que située au centre d'un rond-point il est possible de se glisser entre ses sept plaques d'acier corten de 20 mètres de haut (pour un poids de 35 tonnes). L'œuvre, extrêmement brutale, semble alors incroyablement fragile: chaque plaque repose sur une autre, en équilibre. 

En dehors de ça, les informations sur cet œuvre sont inexistantes.


( Source )


( Source )

La sculpture se trouve au centre du rond-point de l'Avenue John F. Kennedy, au Nord du quartier du Kirchberg à Luxembourg:


( 49°38'07.00" N 6°10'37.99" E )

Vitraux de la collégiale d'Eymoutiers

Construite initialement dans le style Roman, la collégiale d'Eymoutiers ressort partiellement détruite suite au passage des anglais lors de la guerre de Cent Ans. Le chœur et une partie de la nef doivent être reconstruit, les travaux du chœur commencent en 1451. c'est aussi à cette époque que sont ajoutés les chapelles latérales au chœur.
Les nouveaux vitraux sont exécutés entre 1460 et 1485, probablement par des ateliers limousins. Ceux des bas-côtés sont cohérents entre eux et ceux du chœur se caractérisent par un plus grand usage de la couleur, ils seraient plus récent. Ils représentent des saints debout, aux vêtements parfois richement colorés, à l'intérieur une architecture Gothique en jaune d'argent, le tout travaillé à la peinture à la grisaille.

L'ensemble des vitraux du 15ème siècle d'Eymoutier est le plus remarquable du centre de la France. C'est aussi un témoignage précieux de l'habillement civile et militaire à l'époque.
Les vitraux sont classés Monument Historique en 1907.

L'histoire et la description plus complète des vitraux est à retrouver >>>ICI<<<



Détail du bas du vitrail central du chœur, réalisé vers 1480 et caractérisé par un plus grand usage des couleurs:


( Source )


( 45°44'19.48" N 1°44'39.79" E )

La mosaïque de Grand

En 1883, le conservateur du Musée départemental des Vosges et archéologue Félix Grand dégage les deux mètres de terre qui recouvrent une mosaïque découverte, de manière très partielle, en 1873. Il met au jour une surface totale de 232m² constituée d'environ 2 millions de tesselles en pierre rouge (provenant des Ardennes), blanche et noire (en pierre locale). On a longtemps pensé qu'il s'agissait du pavage d'une basilique, mais cette théorie est aujourd'hui remise en cause. La datation du bâtiment et de la mosaïques sont aussi sujettes à discussion mais on s'accorde pour dire que les mosaïques datent du 2ème siècle après J-C. 
La nécessité de protéger la mosaïque contre les effets de la météo s'est rapidement fait sentir. Un hangar a été construit, puis remplacé par le bâtiment actuel dans les années 50, ce qui permet de découvrir l'œuvre dans des conditions plus proches de sa situation initiale.
En 1959, l'ensemble des mosaïques ont été déposés avant d'être remise en place sur un nouveau support. C'est à cette occasion que les lacunes ont été comblées, donnant à l'œuvre pratiquement sont aspect actuel. "Pratiquement", car une restauration réalisée en 2009 a permit de lui rendre l'éclat de ses couleurs d'origine.

Au centre de la pièce, un cadre (qu'on appel un emblema) dont ne subsiste que le quart de gauche, représentait probablement une scène du "Phasma" de Ménandre. La représentation a pu être rapprochée de cette pièce de théâtre antique en la comparent aux mosaïques de la Maison dite "de Ménandre" à Mytilène en Grèce.
Aux quartes coins de l'emblèma sont représentés 4 animaux: une panthère, un sanglier, un ours et un tigre.
Le tapis centrale se compose ensuite de forme géométriques complexes en tesselles rouges, blanches et noires. Le reste de la surface se compose de motifs géométriques répétitifs noir et blanc avec un cadre sur le bord de la pièce.
L'abside possède un motif répétitif en palmettes noir et blanches séparé du reste de la pièce par deux bandes: une en rinceau, et l'autre de motifs géométriques.

La mosaïque de Grand est la plus grande mosaïque romaine du Nord des Alpes. Elle est de plus assez complète et montre une belle diversité de motifs. La mosaïque et le bâtiment dégagé autour ont été classé au titre de Monument Historique dés le 19 janvier 1884 (soit un an à peine après sa découverte!):


( Source )

Détail du tapis central avec l'emblema encadré par les quatre animaux:


( Source )

Détail des quatre animaux:


( Source )

La mosaïque se trouve dans le bâtiment du N°4 Rue de la Mosaïque:


( 48°23'01.43" N 5°29'07.79" E )

Pour ce 100ème message, parlons d'un chef d'œuvre qui attends sur la première ligne du premier message de ce topic depuis le début...

Les tentures de l'Apocalypse d'Angers

Entre 1373 et 1377, le Duc Louis 1er d'Anjou commende ces tapisseries au marchand lissier Nicolas Bataille. Celui-ci les a fait réaliser, vraisemblablement à Paris dans les ateliers de Robert Poinçon, selon les cartons de Hennequin de Brugge. Des différences d'exécution montrent toutefois que plusieurs ateliers ont dû travailler simultanément. On estime que la confection des tentures a été terminée en 1382 au plus tard.
Les tentures sont en laine teintée et mesuraient initialement 6 mètres de haut pour 140 mètres de long. Elles représentent l'Apocalypse de Jean, un thème très en vogue à cette période qui a comme toile de fond les ravages de la peste noire et la guerre de Cent Ans (certaines références à la situation politique et aux troupes anglaises sont visibles parmi les représentations). L'iconographie se compose de 6 parties: chacune est introduite à gauche par un personnage sous un baldaquin faisant toute la hauteur de la tapisserie. Elle se divise ensuite en 14 scènes réparties sur deux registres (le fond de chaque scène est alternativement rouge ou bleu) et bordé de deux lisières en haut et en bas: celle du haut représentante des nuages stylisés et des anges musiciens; celle du bas, une pelouse fleurie. Certaines scènes sont malheureusement tronqués voir carrément manquantes (c'est particulièrement le cas de la 6ème partie qui ne conserve que 5 scènes sur les 14 initiales): l'ouvre ne fait actuellement plus que 104 mètres de large. Détail remarquable: chaque scène est réversible: une scène identique en miroir se trouve au dos.

L'ensemble des tentures de l'Apocalypse était un projet qui se voulait grandiose et donc d'une grande qualité dés sa création. En outre, il nous est parvenu assez complet et dans un bon état de conservation, ce qui en fait par ses dimensions (environ 850m²) le plus grand ensemble de tapisserie médiéval du monde.

L'ensemble est classé Monument Historique à titre d'objet depuis 1902.

De nombreux sites parlent de l'œuvre mais jamais dans son entièreté. La page la plus complète sur l'œuvre, son histoire et sa composition, reste la page Wikipédia >>>ICI<<<. Les images de qualité sont aussi inexistantes (probablement à cause de la pénombre dans laquelle est plongée l'œuvre): 


( 47°28'08.70" N 0°33'37.62" W )

Détail de l'extrémité gauche de la première partie, avec le personnage sous baldaquin et les trois premières scènes:


( Source )

Scène "la Jérusalem nouvelle" dans la 6ème partie:


( Source )

Les tentures de l'Apocalypse sont exposées au Château d'Angers dans une aile spécialement construite pour elles en 1953 et 1954 par Bernard Vitry. Les grandes baies vitrées qui donnent dans la cour furent occultée dés 1975 car la lumière extérieur dégradait l'œuvre:


( 47°28'09.78" N 0°33'37.07" W )

N.B.: Cette œuvre a inspirée Le Chant du monde de Jean Lurçat dont on a déjà parlé ICI.

Chapeau Okapi!!  

Ce topic fait partie des trésors de TSGE.

De la belle ouvrage.

 

-

gollum a écrit:

Chapeau Okapi!!

Ce topic fait partie des trésors de TSGE.

De la belle ouvrage.

 

-

Bonjour Gollum,


Tu as totalement raison, l'aile spécialement construite pour elles en 1953 et 1954 par Bernard Vitry dans
le dernier message d'Okapi n'est pas faite pour que ces trésors de l'Histoire s'envolent. 

Dans notre forum, ces trésors resteront pour que les générations futures les admirent et les comprennent en apprenant l'Histoire  

Merci Okapi de garder et d'expliquer cet héritage de l'humanité  

Jean-Jacques

Collection de grues portuaires du MAS

Parallèlement au Rijnkaai à Anvers, le long de l'Escaut, se dressent douze grues portuaires. Avec une treizième installée juste devant la porte d'entrée, elles forment la collection de grue portuaire du Museum Aan de Stroom (MAS) (qui compte 18 grues au total). Les grues exposées le long de l'Escaut datent de 1907 à 1963, 9 d'entre elles sont classées (voir ICI). La dernière, celle située devant la porte, date de 1884. On la doit au constructeur allemand Stuckenholz et est aussi classée (voir ICI). Du fait de leur taille et des lieux choisit pour leur exposition, les grues sont accessibles en permanence. Il est même possible d'en escalader une lors des Journées du Patrimoine.

Même si cette collection ne comporte que 18 pièces, dont 13 visibles, il s'agit de la plus grande du genre au monde. Elle est aussi l'expression du lien qui lie l'histoire de la ville d'Anvers au transport maritime. Elle est enfin un petit morceau de la mémoire de ce qui est devenu le deuxième plus grand port maritime d'Europe.

J'ai eu toute les peines du monde à m'y retrouver entre tout ses grues qui se ressemblent fort. De plus, apparemment, lors de l'inauguration du musée en 2011, il n'y avait que 11 grues le long de l'Escaut (et 16 au totale dans les collections). La douzième n'est arrivée qu'en 2013 selon cet article ICI. Le nombre de grues change donc en fonction de la source.

Les quelques infos sur la collection de grues portuaires sont à retrouver sur le site du MAS >>>ICI<<<



( 51°13'54.35" N 4°24'10.84" E )

La seule image que j'ai trouvé pour les montrer (presque) toutes clairement:


( Source )


( Source )

Le MAS avec la treizième grue juste devant:


( 51°13'44.08" N 4°24'17.37" E )

Par contre, lorsque j'étais allé les voir, on m'avait parlé d'un aspect dont on ne parle sur aucun site internet: les grues du MAS sont devenues (bien malgré elles) un symbole de la culture BDSM gay
Depuis 2008, la Leather Pride d'Anvers (deuxième plus gros évènement fétiche gay d'Europe derrière la Folsom de Berlin) est organisé chaque année au mois de février dans le Waagnatie, le hangar qui longe le quai de l'Escaut juste au Nord des grues. Parmi les 5000 hommes qui se rendent à l'évènement, nombreux sont ceux qui en profite pour prendre quelques photo dans leur plus belle tenue cuir, latex, skinhead ou autre. Les grues situées sur le parking deviennent alors le cadre idéal pour une séance photo, à la fois loin des regards indiscrets (la route se trouve de l'autre côté du parking, 70 mètres plus loin) et formant un décor tout à fait en accord avec l'identité de l'évènement.
Les grues se sont donc retrouvées sur des milliers de photos d'homme venant de toute l'Europe et même d'Amérique du Nord. Elles figurent aussi sur certains visuels de l'évènement (la présente de grues portuaire permettant immédiatement de reconnaitre la ville d'Anvers, au même titre que la cathédrale):


( Source )

Châsse de Saint Maxentiol (ou Maxenceul)

Cette châsse de 1m15 de long et 80 centimètres de haut a été sculptée au 13ème siècle dans un seul bloc de noyer (seul l'intérieur de la face d'un pignon est amovible). La châsse était initialement recouverte de fines feuilles d'argent rehaussées de trais noirs pour la faire ressembler aux châsses en orfèvrerie de l'époque. Cette technique de sculpture en bois recouverte de feuilles d'argent (très peu commune) pourrait avoir été une technique pour limiter le risque de vol.
Sur chacune des deux bâtières, le Christ est représenté entouré de 6 anges. En dessous, sur les murs gouttereaux, sont représentés chaque fois 6 apôtres. le pignon fixe représente trois scènes superposées de la vie de la vierge: sa dormition (sa mort), sa sculpture et son assomption au ciel. Le pignon pouvant être ouvert est vide de toute représentation. Aucune référence à Saint Maxentiol ne figure sur la châsse, on pense qu'elle était d'abord dédiée à la vierge qui est la sainte patronne de cette église.

Une châsse du 13ème siècle en bois sculpté semble être un cas unique (je n'ai trouvé aucun autre cas comparable). Les châsses de cette époque comportaient certes une âme en bois mais l'ornementation était faite par des sculptures en métal ou de plaques d'émail. Si la surface était sculptée, elle l'était plutôt en plaque d'ivoire. Toutefois, les sculptures en bois à sa surface ont probablement assuré sa survie après que les feuilles d'argent aient été retirées. La polychromie des sculptures est postérieur. 

La châsse est classé Monument Historique à titre d'objet depuis 1897.

Les images de qualité de cette châsse sont plutôt rares, les plus belles sont à retrouver ICI et ICI.


( Source )


( Source )

La châsse se trouve dans l'église Notre-Dame de Cunault:


( 47°19'46.83" N 0°12'02.97" W )

Cabinet Gauthiot d'Ancier

En 2001, Le Musée National de la Renaissance au Musée d'Écouen présente l'exposition-dossier consacrée à Hugues Sambin. Cette exposition va donner une visibilité au cabinet Gauthiot d'Ancier, un remarquable cabinet de style Renaissance millésimé 1581 et conservé au Musée du Temps à Besançon.

C'est à cette occasion que son existence s'ébruite jusqu'au J. Paul Getty Museum de Los Angeles, qui va le rapprocher d'un autre cabinet de ses collection et qui va se lancer à son compte dans une étude très approfondie de 2002 à 2005. Cette étude, qui permet de confirmer la datation vers 1580 et l'origine bourguignonne du meuble américain , permet aussi de confirmer son origine commune avec le cabinet français (mais pas si Hugues Sambin en est l'auteur). Cette découverte fut présenté au public américain lors d'une exposition de 2005 à 2007.

Mais revenons au meuble français: ce cabinet en noyer arbore la date de 1581 et le blason se commanditaire: Jean Gauthiot d'Ancier, qui fut co-couverneur municipal de Besançon de 1582 à 1583. Son histoire est remarquablement bien documentée: le meuble est très précisément décrit en 1596 dans l'inventaire après le décès de son fils Ferdinant Gauthiot d'Ancier. Son petit-fils, Antoine-François, le lègue au collège jésuite de la ville qui le conserve jusqu'à l'expulsion de l'ordre en 1765. Il arrive alors dans les collections municipales.
Le meuble est orné d'un remarquable décor sculpté de style Renaissance et de panneaux peints signés par le peintre Evrard Bredin.

Grace à la documentation historique qui existait déjà, la restauration qu'il a subit en 2001 et l'étude poussée du J. Paul Getty Museum, le cabinet Gauthiot d'Ancier est le meuble le mieux étudié scientifiquement de France. Ses panneaux peints font partie des rares qui sont signés et qui peuvent être attribués avec certitude à Evrard Bredin. Son état de conservation et la richesse de sa décoration par rapport au reste de la production supposée de Hugues Sambin de sont eux aussi remarquables.

Je ne peux que vous conseiller d'aller jeter un coup d'œil à l'étude comparative de la Tribune de l'Art qui confirme la parenté entre le cabinet français et américain >>>ICI<<<


( Source )

Détail des panneaux de Evrard Bredin


( Source )

Le cabinet Gauthiot d'Ancier est exposé au Musée du temps à Besançon: 


( 47°14'09.23" N 6°01'37.45" E )

L'Éphèbe de Adge

Le 13 septembre 1964, dans le cadre de fouilles préventives réalisées au fond de l'Hérault à hauteur de la cathédrale de Agde, Jacky Fanjaud aperçoit l'épaule gauche d'une statue émergeant de la vase: il s'agit d'un éphèbe en bronze d'1m40 de haut, assez complet (la jambe gauche sera trouvée 6 mois plus tard un peu plus en aval). Très fragile (sa main gauche se brise peu de temps après sa sortie de l'eau), la statue est immédiatement envoyée en restauration et termine au Louvre. Commence alors un long combat de près de 20 ans pour faire revenir la statue à Agde. La condition de son retour était la construction d'un musée qui présenterait les nombreuses découvertes sous-marines faites dans les eaux agdeoises, ce qui est chose faite en 1984 avec la construction puis l'inauguration l'année suivante du Musée de l'Ephèbe. La statue est restituée en juin 1987.

L'Ephèbe de Agde est une statue hellénistique en bronze du 2ème siècle avant J-C. Elle représente un adolescent nu qui porte sur l'épaule gauche un chlamyde (manteau constitué d'une seule pièce de tissus) qui s'enroule autour de son bras gauche, une manière de porter typique des vêtements militaires macédonien.
L'œuvre a put être rapprochée du travail de Lysippe de Sicyone: il s'agirait d'un portrait d'Alexandre le Grand. Les sources ne sont toutefois pas claires pour savoir si l'attribution à Lysippe de Sicone et à la représentation d'Alexandre le Grand sont des faits avérés ou encore des hypothèses.

Bien que l'on ne sache toujours pas pourquoi la statue se trouvait au fond de l'Hérault, cela en fait le seule bronze hellénistique découverte in situ en France:


( Source )

L'Ephèbe se trouva au Musée de l'Éphèbe de Agde:


(43°17'12.87" N 3°30'49.81" E )

En bonus, une vidéo sur l'Ephèbe et son musée: